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Comunicación y moda

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Daniel Chong y Eduardo Navarrete. Foto Omoda

Los diseñadores Eduardo Navarrete y Daniel Chong se unen para presentar su primera colaboración en OMODA Madrid es moda, una colección de treinta complementos que juntan su universo creativo e identidad de ambas firmas para reinvindicar una moda con menos competitividad y más compañerismo.

Durante la presentación que tuvo lugar en la tienda de Daniel Chong, ubicada en la Calle Desengaño, 22 de Madrid, ambos diseñadores pusieron de manifiesto la estrecha relación de colaboración y admiración mutua que mantienen. Navarrete destacó la trayectoria deChong, cuya carrera ha seguido muy de cerca a lo largo de los años, además reconoció que se trata de uno de los diseñadores con un éxito comercial, especialmente gracias a sus emblemáticas mochilas, convertidas ya en referente de la marca.

La colección pone el foco en la unión creativa, el color, la alegría y el diseño

La colaboración de Chong y Navarrete reivindica la moda de autor como un espacio de experimentación, identidad y creatividad, poniendo en valor el diseño español y concebida para conectar con el público desde el color, el humor, la alegría y una visión actual de la artesanía, manteniendo la esencia de cada una de las dos firmas.

La colección representa el encuentro entre dos formas de entender la moda que comparten una misma filosofía creativa y el compromiso de diseño con la proximidad. De esta manera, traslada algunos de los estampados más emblemáticos de Eduardo Navarrete al universo de producto de Daniel Chong, reinterpretando el característico patrón de sus accesorios para crear una propuesta inédita que mantiene la esencia de ambos diseñadores.

“Eduardo y yo compartimos una forma similar de ver la moda; tenemos una forma de contar las cosas que es similar, siempre pensamos en reivindicar y sacar partido de lo cotidiano, de las cosas pequeñas del día a día para convertirlas en inspiración”, afirma Daniel Chong.

La colección se presenta de forma paralela mediante un teaser en el que invita a reflexionar al espectador sobre las apariencias, la competitividad y las contradicciones que rodean al mundo de la moda, utilizando el humor como vehículo para revelar una colaboración que reivindica la creatividad y el compañerismo como elementos capaces de conectar con el público desde una experiencia cercana y desenfadada.

“Su producto está en la calle, apoya y trabaja todo desde el made in Spain y defiende unos valores que miramos de la misma forma; además es divertido, y congeniamos de una forma muy afín”, destaca Eduardo Navarrete.“Su marca y la mía tiene una filosofía parecida a la mía, somos divertidos y disruptivos. Nos llevamos muy bien, reafirma Navarrete en la presentación.

Unas piezas de colección a precios para todo público

Daniel Chong nos ha contado que esta nueva línea nace con el objetivo de apostar por materiales reciclados y sostenibles para la fabricación de sus bolsos, sin renunciar a una política de precios accesibles que permita llegar a todo tipo de público. La propuesta promueve un consumo más consciente, ya que cada diseño se produce en una edición limitada, convirtiendo cada pieza en un artículo exclusivo que incluso puede considerarse de colección.

La colección está compuesta por 30 referencias entre mochilas, bolsos, riñoneras, bandoleras y neceseres, elaboradas en colaboración con Tejiplast, empresa líder especializada en la recuperación de plástico para transformarlo nuevamente en hilo. Las piezas incorporan detalles en piel de curtición vegetal y combinan el estampado que impulsó a Eduardo Navarrete en su primera colección, Demencia es nombre de mujer, con algunos de los patrones más emblemáticos de Daniel Chong.

Los precios oscilan entre los 35 y los 135 euros, dependiendo del tamaño y el modelo, y la colección ya está disponible tanto en la tienda online como en los establecimientos físicos de Daniel Chong.

Según explica Chong, aunque ya colabora con Navarrete en otros proyectos, este marca el inicio de una colaboración que espera seguir desarrollando en el futuro con nuevas propuestas conjuntas.

Sobre Daniel Chong

La firma Daniel Chong está especializada en complementos de vestir y con más de 16 años de trayectoria , es reconocida por sus coloridos diseños de estilo urbano atemporal y por su apuesta por la producción artesanal y sostenible en España. La marca fabrica sus colecciones en Madrid, Elche y Pamplona, y comercializa mochilas, bolsos, carteras y otros accesorios tanto en sus tiendas propias como en cerca de 200 puntos de venta internacionales. Detrás de la marca se encuentra Daniel Chong, un joven emprendedor que estudió diseño y comunicación en la Universidad de Palermo en Argentina, y su sello personal es impulsar y trabajar únicamente con proveedores locales Made in Spain.

Sobre Eduardo Navarrete

Eduardo Navarrete es diseñador de moda y una de las figuras más mediáticas surgidas de Maestros de la Costura. Defensor de la moda made in Spain y del diseño de autor, ha consolidado su firma con colecciones presentadas en MBFWM, afianzando sus diseños entre rostros conocidos del star system español. Cuenta con una red de puntos de venta en España y  a través de su agencia de eventos y comunicación 15 Segundos, un paraguas para apoyar a nuevos creadores y sus proyectos de showroom.Sumado a su faceta televisiva en programas como “Master Chef Celebrity”. Navarrete desafia los códigos establecidos y reconecta con el origen de la moda: el de emocionar.

 

NARS y Mercedes-Benz Fashion Week Madrid reconocens el talento y la creatividad que impulsan la moda española. Foto: Ifema

Llega una nueva edición de los NARS Excellence Awards, con reconocimientos destinados a destacar la trayectoria, la influencia y la excelencia creativa  de la moda.

 Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y  NARS, celebrarán en el marco de MBFWMadrid una nueva edición de los NARS Excellence Awards, con reconocimientos destinados a destacar la trayectoria, la influencia y la excelencia creativa dentro de la industria de la moda.

La firma internacional de la belleza profesional, celebrará una nueva edición de los NARS Excellence Awards, unos reconocimientos destinados a poner en valor a las personas que, desde diferentes ámbitos, contribuyen al crecimiento, la proyección y el prestigio de la moda española.

Estos galardones se entregarán durante la próxima edición de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid y reflejan la apuesta compartida con NARS por reconocer el valor de la creatividad, la innovación y la contribución de quienes fortalecen el ecosistema de la moda dentro y fuera de nuestras fronteras.

Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid – NARS ICON

 El jurado de NARS, formado por Frans Reina, Presidente de Shiseido España, Valentina Suárez de Zuloaga, directora creativa de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, la estilista Beatriz Moreno de la Cova; e Isabel Mascareñas, miembro del Comité de Moda de la pasarela, será el encargado de seleccionar al ganador de la categoría “Icon”, un reconocimiento destinado a aquellas personas que, desde cualquier disciplina o profesión, hayan apoyado, promovido y fortalecido la moda española a lo largo de su trayectoria.

Diseñadores, fotógrafos, estilistas, editores, empresarios, comunicadores, artesanos, creadores de contenido o cualquier otra personalidad cuya aportación haya sido clave para el crecimiento de la industria podrán ser objeto de este reconocimiento.

Los criterios de valoración se centran en tres pilares fundamentales: Trayectoria y compromiso, Influencia y contribución y Legado e impacto cultural. Una aportación relevante al prestigio, la proyección y la evolución de la moda española, así como su capacidad para inspirar a futuras generaciones. 

La personalidad galardonada con el Premio NARS ICON recibirá apoyo financiero en el marco de la Mercedes-Benz Fashion Week Madrid. A través de este premio, NARS pone en valor el talento, la dedicación y la influencia de quienes han contribuido de manera decisiva a construir la identidad y el prestigio de la moda española.

Premio Mercedes-Benz Fashion Week Madrid – NARS Best Makeup Vision: Un reconocimiento a la mejor visión creativa del maquillaje en pasarela

El jurado de NARS, formado por Frans Reina, presidente de Shiseido España; Silvia Pellisa, experta en maquillaje; Rachel Hardie, NARS Senior Artistry & Education Manager y José Belmonte, director de maquillaje de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, otorgará el premio Best Makeup Vision al diseñador que haya demostrado una especial sensibilidad hacia el maquillaje como elemento esencial de su desfile en esta edición de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid.

Reconocimiento y apoyo al ganador

El diseñador galardonado con el premio Best Makeup Vision recibirá apoyo financiero por parte de NARS, destacando su compromiso con la creatividad y la innovación en la intersección entre moda y belleza.

A través de este premio, NARS reafirma su convicción de que el maquillaje no solo complementa una colección, sino que puede convertirse en uno de los elementos más poderosos para expresar una visión artística y transformar una propuesta de moda en una experiencia memorable.

Lujan Sáez y su desfile en BAFW. Photo @Lady__miru

Hay historias que empiezan mucho antes de llegar a una pasarela. La de Luján Sáez nació entre el hockey y la moda, dos universos que durante años convivieron en su vida y que ahora encuentran un punto de encuentro en N.1, su primera colección como diseñadora al frente de LS. El miércoles 26 de agosto, en La Rural, la creadora debutó oficialmente en BAFWEEK Primavera/Verano 2027 con una propuesta que convirtió códigos deportivos en piezas de moda, llevó el denim hacia terrenos inesperados y recuperó símbolos vinculados con su propia historia. Pero el desfile también tuvo otro significado: después de 16 años, el apellido Sáez regresó a la pasarela de BAFWEEK. Esta vez, la historia familiar no se repite: se transforma.

El regreso de un apellido histórico a la BAFWEEK

En Argentina si dices ONA SÁEZ es sinónimo de calidad y familia. En 2010, SÁEZ había sido la última marca de la familia en presentarse en BAFWEEKDieciséis años después, el apellido volvió a la pasarela, esta vez incorporando una nueva firma a su historia. De la mano de Luján Sáez, la joven diseñadora argentina, hija de Santiago Sáez, fundador de la icónica marca Ona Saez, nace una nueva propuesta que expande la historia familiar con una identidad propia.

N.1 representa el nacimiento oficial de LS (Luján Sáez) una marca que toma ese legado como punto de partida para construir una identidad propia. La diseñadora no busca reproducir una historia conocida, sino llevarla hacia otro lugar: más personal, experimental y conectado con una nueva generación y su historia personal. 

La inspiración central de la colección está en uno de los mundos que más marcó a Luján: el hockey, pero no propone simplemente “ropa inspirada en el deporte”. El desafío está en tomar elementos reconocibles del universo del hockey y convertirlos en recursos de diseño.

Canilleras, hombreras, cascos, redes, líneas de cancha y uniformes aparecen reinterpretados a través de la alta costura, la sastrería, el denim y diferentes técnicas artesanales. Lo que originalmente tenía una función deportiva se transforma en una pieza estética.

El resultado es un diálogo entre fuerza y sensibilidad, disciplina y libertad, protección y vulnerabilidad.

Del Hockey Couture al denim reconstruido

La colección reunió alrededor de 30 looks y construyó un recorrido que fue cambiando de lenguaje a medida que avanzaba el desfile.

El concepto de Hockey Couture llevó los códigos del deporte hacia un territorio de lujo. Después aparecieron las líneas, redes y geometrías propias del juego aplicadas a estampas y sastrería.

El recorrido continuó hacia un universo más urbano, donde el denim reconstruido se convirtió en protagonista. Patchworks, tachas e intervención artesanal se mezclaron con las referencias deportivas para generar una estética que también dialoga con la calle.

El denim, uno de los materiales que identifica el trabajo de Luján Sáez, dejó así de ser simplemente un básico cotidiano para convertirse en una superficie de experimentación.

Un desfile que también fue espectáculo

La presentación no estuvo pensada únicamente alrededor de las prendas. Música, performance y moda compartieron el mismo espacio.

La artista emergente Lisa Scha realizó una performance musical en vivo y llevó un look custom made creado especialmente por LS. Su participación aportó una atmósfera intensa a la pasarela y reforzó la intención de Luján de convertir el desfile en una experiencia.

La propuesta también tuvo entre sus protagonistas a algunas de las musas de la marca, como Indiana y Allegra Cubero, Olivia Cattaneo y Charo Calamaro, además de figuras como Nicole Neumann, Julieta Cardinali, Lola Abraldes, Taína Gravier, Chloe Bello, Juli Castro, Lucas Spadafora y Juan Otero.

El cierre estuvo a cargo de Martín Cirio, quien se presentó como modelo en un momento que sumó una cuota inesperada y disruptiva al debut.

LS acaba de empezar. Y N.1 deja claro que su punto de partida es precisamente aquello que la hace diferente: transformar su propia historia en identidad.

Hay quienes creen que el arte pertenece a los museos y la moda a las pasarelas. Sin embargo, basta con detenerse unos minutos frente a un desfile de Schiaparelli, una colección de Dolce & Gabbana o un vestido de Yves Saint Laurent para entender que esa frontera prácticamente desapareció hace décadas. Hoy las grandes casas de moda ya no diseñan únicamente prendas: construyen relatos visuales que dialogan con la pintura, la escultura, la arquitectura y hasta con los movimientos artísticos que cambiaron la historia.

Detrás de muchos de los looks que se vuelven virales existe una referencia cultural que pasa inadvertida para la mayoría, pero que explica por qué determinadas colecciones generan tanta fascinación incluso entre quienes jamás podrían comprarlas.

Esta conversación entre arte y moda, no comenzó en la era de las redes sociales. Mucho antes de que las pasarelas se transformaran en espectáculos globales, los diseñadores ya encontraban en los artistas una fuente inagotable de inspiración. A principios del siglo XX, mientras Europa vivía una revolución cultural marcada por el cubismo, el surrealismo o el art déco, la moda empezó a desprenderse de su función puramente utilitaria para convertirse en un lenguaje creativo.

Foto: Web schiaparelli.com

Schiaparelli: la casa que hizo del surrealismo su sello de identidad

Si existe una firma que entendió antes que nadie el potencial creativo del arte, esa fue Elsa Schiaparelli. En la década de 1930, estableció una estrecha relación con Salvador Dalí y juntos demostraron que la alta costura podía ser tan provocadora como una obra surrealista. De esa colaboración nacieron piezas históricas como el vestido de la langosta, el sombrero con forma de zapato o prendas que jugaban con las ilusiones ópticas y desafiaban todas las reglas de la elegancia tradicional.

Casi un siglo después, ese espíritu continúa vivo. Bajo la dirección creativa de Daniel Roseberry, la marca volvió a convertirse en una de las casas más comentadas del mundo gracias a vestidos que parecen esculturas, joyas inspiradas en la anatomía humana y siluetas que muchas veces generan más conversación que intención de compra.

Yves Saint Laurent y el vestido que llevó un cuadro a la alta costura

Pocas colecciones resumen mejor el encuentro entre arte y moda que la presentada por Yves Saint Laurent en 1965. Inspirado por la obra del pintor neerlandés Piet Mondrian, el diseñador creó una serie de vestidos donde las líneas negras y los bloques de color no estaban estampados sobre la tela, sino construidos mediante el propio patronaje. Aquellas prendas parecían cuadros en movimiento y demostraron que era posible rendir homenaje a un artista sin limitarse a reproducir su obra.

La colección marcó un antes y un después porque cambió la manera en que la industria entendía la inspiración artística. Desde entonces, muchos diseñadores dejaron de ver las pinturas como simples estampados para convertirlas en el punto de partida de un proceso creativo mucho más complejo.

Yves Saint Laurent. Foto: Foto de Terry Fincher/Express/Hulton Archive vía Getty Images)

Dolce & Gabbana: cuando el patrimonio italiano desfila sobre la pasarela

Mientras algunas marcas encuentran inspiración en un artista específico, Dolce & Gabbana decidió convertir el arte italiano en el verdadero protagonista de su universo creativo. Sus colecciones funcionan como un viaje por Sicilia, el barroco, los mosaicos bizantinos, las iglesias renacentistas y la tradición artesanal.

Cada vestido parece recoger un fragmento de esa historia. Los bordados recuerdan los detalles de antiguas catedrales, las aplicaciones evocan mosaicos centenarios y las coronas doradas remiten a las imágenes religiosas que forman parte del patrimonio cultural italiano. Más que copiar obras de arte, la firma logra traducir siglos de historia en prendas contemporáneas que celebran la identidad de un país.

Dolce & Gabanna Foto: Getty images

Chloé y el regreso de las musas

En sus últimas campañas, dirigidas por Chemena Kamali, las referencias aparecen en la atmósfera antes que en la prenda. Los vestidos de gasa parecen fundirse con el paisaje, las modelos se mueven entre flores, agua y acantilados, y la luz natural adquiere protagonismo. El resultado recuerda inmediatamente a las pinturas prerrafaelitas del siglo XIX, en especial a Ofelia de John Everett Millais, donde la naturaleza envuelve al personaje con una belleza tan delicada como melancólica.

Más que reproducir la obra, Chloé recupera su esencia: la mujer como parte del paisaje, el romanticismo, la fragilidad y la fuerza coexistiendo en una misma imagen. Esa referencia artística también dialoga con el regreso de la estética boho impulsada por Kamali, donde la feminidad se expresa a través de vestidos etéreos, encajes, transparencias y siluetas que parecen moverse con el viento.

Foto: @chloe

Más allá de las temporadas, los colores o las siluetas, las grandes colecciones siguen demostrando que una prenda puede convertirse en un manifiesto cultural, en un homenaje a la historia.

La próxima vez que una colección te parezca demasiado extravagante, tal vez la pregunta no sea si alguien realmente usaría ese vestido fuera de la pasarela. La verdadera curiosidad está en descubrir qué obra de arte, qué artista o qué movimiento creativo se esconde detrás de cada costura. Después de todo, algunas de las exposiciones más fascinantes del mundo ya no se recorren únicamente en los museos; muchas veces desfilan frente a nosotros durante apenas unos minutos.

Del 7 al 10 de septiembre, Madrid vuelve a convertirse en pasarela. OMODA Madrid es Moda llega a su undécima edición con más de 25 firmas confirmadas y un hilo conductor claro: reivindicar el oficio, el relevo generacional y la comunidad detrás de cada colección.

El desfile inaugural se celebrará el lunes 7 de septiembre a las 19:00 horas, en el estanque central de los Jardines de Sabatini, frente a la fachada norte del Palacio Real. Inspirado en la luz y las tonalidades de los atardeceres, y en la sofisticación contemporánea, contará con una pasarela natural que discurrirá entre los árboles, las flores y las estatuas del siglo XVIII que rodean el lago. De fondo, la que está considerada una de las mejores puestas de sol de la capital.

Créditos: Pablo Paniagua / OMODA Madrid es Moda

OMODA reúne desde hace once ediciones a los nombres propios de la moda de autor española, impulsada por la Asociación Creadores de Moda de España (ACME) con el respaldo de Madrid Capital de Moda, iniciativa del Ayuntamiento. Precursores de sacar el desfile a la calle: plazas, jardines y monumentos que han convertido a la capital, edición tras edición, en escenario vivo y dinámico de consumir moda.

En esta edición de OMODA Madrid participarán: Adlib Ibiza, Angel Schlesser, Aurelia Gil Novias, Carlota Barrera, Dolores Cortés, Dominnico, Evade House, Félix Ramiro, García Madrid, Gonzales, Isla Bonita Moda, It-Spain, Juan Avellaneda x See Iou, Lina Sevilla, Luis Berrendero, Maison Mesa, María Lafuente, Miguel Marinero, Ogadenia Couture, Oteyza, Pedro Palmas, Pilar Dalbat, Roberto Torretta, Roberto Verino, The 2nd Skin CO., The Extreme Collection y We Are Spastor.

Foto: Cortesía Pablo Paniagua

#fandelamodaespañola: el concepto de la edición

Bajo este lema, OMODA sitúa al diseñador en el centro y reivindica el valor de lo colectivo: la historia compartida que esconde cada pieza y quienes la hacen posible, artesanos, oficios tradicionales y el público q+*ue la sostiene, verdadero patrimonio del sector. La moda de autor, defiende OMODA, no es la suma de proyectos individuales, sino una comunidad que comparte visión, desafíos y la voluntad de construir cultura desde el diseño.

Adelanto de novedades

Fechas: Del 7 al 10 de septiembre
Formatos: desfiles, performances, exposiciones, presentaciones, pop-ups y coloquios en espacios emblemáticos de Madrid
• Novedades confirmadas:
– Debut de la primera colección de Dolores Promesas x Duyos
– Colaboración entre Daniel Chong y Eduardo Navarrete
– Celebración de las cuatro décadas de Devota & Lomba
– Desfile de los alumnos de IED Madrid
– Proyecto artístico y solidario de ACME con la ONG Ayuda en Acción
– Arranque del primer ciclo de Los Jueves de la Moda, encuentros mensuales de networking impulsados por FAME y organizados por Modaes, con apoyo del Ministerio de Cultura.

En las próximas semanas se dará a conocer el calendario completo, junto con los horarios y sedes de cada desfile, también el escenario de su desfile inaugural, como ya es habitual se destina un espacio emblemático y cargado de historia que marcará el inicio de la Semana de la Moda.

En esta edición, marcas aliadas como OMODA, Calzados Unisa y Solán de Cabras se suman al proyecto, apoyando la creatividad, la artesanía y el talento creativo que hacen única a la moda de autor española.

 

Durante décadas, el fútbol fue el territorio por excelencia de la masculinidad tradicional. Hoy, los jugadores protagonizan campañas de Louis Vuitton, asisten a desfiles de moda, colaboran con firmas de lujo y entienden que la imagen personal es tan estratégica como el rendimiento deportivo. ¿Qué cambió?

Hace apenas veinte años era impensado que un futbolista hablara de sastrería, de joyería o de la historia detrás de un bolso de lujo. La moda pertenecía a otro universo: el de los diseñadores, los modelos, las celebridades de Hollywood o las estrellas del pop. Hoy esa frontera prácticamente desapareció. Las grandes casas de moda comprendieron que el fútbol ya no vende únicamente deporte. Vende influencia, aspiración y cultura. Los jugadores dejaron de ser solamente atletas para transformarse en referentes estéticos capaces de marcar tendencias a millones de personas.

La escena ya es habitual. Un futbolista baja del avión vestido con un conjunto firmado por una maison francesa mientras sostiene un baúl Monogram de Louis Vuitton. Otro aparece en la primera fila de un desfile de Prada o Dior. Las fotografías del «player arrival» generan tantas interacciones como un gol decisivo.

La pasarela comenzó mucho antes de entrar al estadio. Cuando Louis Vuitton entendió que el fútbol era aspiracional

Pocas marcas interpretaron este cambio tan rápido como Louis Vuitton. La firma francesa lleva años desarrollando una estrategia que une deporte y exclusividad. Diseña los baúles donde viajan algunos de los trofeos deportivos más importantes del mundo, como la Copa Mundial de la FIFA, y convierte cada entrega en una campaña de comunicación global.

Pero el siguiente paso fue todavía más inteligente. En lugar de limitarse a vestir a deportistas para una sesión fotográfica, comenzó a incorporarlos a su universo creativo. Jugadores como Jude Bellingham, Lionel Messi o Cristiano Ronaldo protagonizaron campañas que trascendieron el deporte. Ya no eran futbolistas promocionando productos: eran embajadores del lujo contemporáneo.

Jude Bellingham Campaña Louis Vuitton

El famoso tablero de ajedrez entre Lionel Messi y CristianoRonaldo fotografiado por Annie Leibovitz para Louis Vuitton fue probablemente una de las campañas más comentadas de la última década porque sintetizaba dos mundos aparentemente opuestos: la alta moda y la competencia deportiva.

Messi y Cristiano en campaña de Louis Vuitton

Desde entonces, regalar un bolso, invitar a un desfile o vestir a una estrella del fútbol dejó de ser una acción de relaciones públicas para convertirse en una inversión de branding.

El nuevo uniforme empieza fuera de la cancha

Existe un momento que antes no tenía ninguna importancia: la llegada al estadio. Hoy, sin embargo, es uno de los contenidos más consumidos en redes sociales. Las cámaras ya no buscan únicamente quien será titular. La entrada al estadio funciona como una auténtica alfombra roja. Lo mismo ocurre cuando los jugadores aterrizan para disputar un Mundial o una Eurocopa. Las imágenes recorren el planeta antes incluso de que comience el partido.

Lamine Yamal llegando al estadio con look Chanel. @LamineYamal

Las marcas entendieron que ese recorrido genera millones de impresiones gratuitas, principalmente en redes sociales.

Cuando el cuidado dejó de ser un tabú

Quizá el cambio más profundo no sea comercial sino cultural. La preocupación por la ropa, el cuidado de la piel, los accesorios o el interés por la moda podían interpretarse como signos de frivolidad o incluso ponerse en duda desde prejuicios sobre la masculinidad. Hoy esa lógica perdió fuerza.

Las nuevas generaciones crecieron consumiendo redes sociales donde la imagen forma parte de la identidad personal. Para un futbolista de 22 años, elegir un buen look resulta tan natural como entrenar o seguir una dieta. El cuidado estético dejó de entenderse como un territorio sólo femenino para convertirse en una extensión del profesionalismo. Verse bien también comunica disciplina, éxito y ambición.

Si existe un ejemplo de jugador que cambió definitivamente esta conversación fue David Beckham. Mucho antes de que las colaboraciones entre moda y deporte fueran habituales, Beckham entendió que podía construir una marca personal a partir de su imagen. Cambiaba de peinado constantemente, aparecía en campañas de moda, utilizaba joyería, experimentaba con la sastrería y colaboraba con grandes firmas cuando todavía muchos cuestionaban esas decisiones.

Entonces fue criticado por «demasiado fashion». Hoy esa estética es prácticamente el estándar. Lo que entonces parecía extravagante terminó siendo visionario.

David Beckham para Tudor, campaña «Born To Dare». Fotografía: David Sims

La generación que ya nació siendo marca

Jugadores como Jude Bellingham, Erling Haaland, Vinícius Jr. o Lamine Yamal crecieron en un ecosistema completamente distinto. No separan el deporte de la comunicación. Entienden que un look viral puede generar conversación global. Que una colaboración con una casa de lujo fortalece su posicionamiento. Que un estilista forma parte del equipo, igual que un preparador físico. La marca personal dejó de construirse únicamente con goles, ahora también se diseña con narrativas visuales.

El delantero noruego, Erling Haaland y su colección de Hermès

Entonces nos podemos preguntar: ¿moda o estrategia empresarial?

Desde la sociología del consumo, este fenómeno responde a un cambio más amplio. El lujo ya no vende solamente objetos, vende pertenencia. Comprar el mismo bolso o la misma chaqueta que lleva un futbolista permite al consumidor sentirse parte de un estilo de vida aspiracional.

Pierre Bourdieu sostenía que el gusto funciona como un mecanismo de diferenciación social. Hoy las maisons hacen colaboraciones con futbolistas, precisamente porque encarnan una nueva forma de prestigio: son cercanos, globales y admirados por públicos que antes estaban alejados de la alta moda.

-El gol ya no termina en el estadio…

El evento de celebración CXC entre aamigos de la casa y creadoras de contenido. Foto: Cortesía.

La firma española presentó su nueva colección junto a la chef Belén Feres en una experiencia que convirtió el lanzamiento en una conversación sobre creatividad, artesanía y cocina con mucha menta.

Hablar de CXC es hablar de Concha Díaz del Río, una de las grandes referentes de la joyería española contemporánea. Diseñadora y emprendedora con más de cuatro décadas de trayectoria, ha sido la mente creativa detrás de reconocidos proyectos de joyería. En 2017 fundó CXC, una firma que ha sabido consolidar un lenguaje propio basado en la combinación de metal y cuero, la artesanía española y una visión del lujo alejada de las tendencias efímeras. Joyas equilibran carácter industrial y sensibilidad artesanal, pensadas para mujeres que no buscan impresionar, sino ser fiel a sí mismas.

Concha Díaz del Río en su estudio. Foto: Cortesía

Con ese mismo espíritu, CXC presentó su nueva colección Primavera-Verano 2026, MENTA, en un encuentro que fue mucho más que un lanzamiento de producto. La firma reunió en Taller 14, a prensa, creadoras de contenido y amigas de la marca en una experiencia inmersiva junto a la chef Belén Feres, donde la creatividad gastronómica y la joyería compartieron protagonismo a través de un elemento común: la menta, ingrediente inspirador de la colección y eje conductor de la velada.

La chef, especializada en cocina de raíces libanesas, diseñó una propuesta culinaria en la que la menta estuvo presente en distintas elaboraciones, trasladando al universo gastronómico la frescura, la autenticidad y el carácter orgánico que definen la nueva colección. Entre conversaciones sobre diseño, artesanía y procesos creativos, los asistentes como Mayte de la Iglesia, la artista Sonia Morales, Inmaculada Pérez entre otras, pudieron descubrir las piezas mientras exploraban nuevas formas de interpretar un mismo concepto.

La chef Belén Feres en la experiencia de presentación «Menta». Foto: Cortesía

Todo sobre la colección Menta: Primavera-Verano 2026

MENTA nace de la búsqueda de lo esencial y encapsula la identidad de CXC: la unión entre la fuerza del metal y la calidez orgánica del cuero. Bajo la dirección creativa de Concha Díaz del Río, la colección surge como un ejercicio de depuración estética en el que se eliminan los elementos superfluos para llegar a la esencia de cada forma y cada material.

La colección se articula a través de diferentes líneas que exploran el ADN de la marca desde perspectivas complementarias.

DOME rinde homenaje al oficio artesano inspirándose en la chincheta de tapicería, ese pequeño elemento que une la piel a la estructura. Elevada a escala y transformada en una cúpula metálica, su diseño pone en valor la belleza de los detalles que sostienen el trabajo manual.

FLECHA introduce una energía más dinámica y decidida. Su estructura segmentada no dibuja una línea continua, sino un recorrido que simboliza la búsqueda de lo auténtico y la mirada puesta en el futuro.

Esa dirección encuentra su anclaje en MÉRIDA, donde el cuero, uno de los materiales más emblemáticos de la firma, aparece en su versión más pura y contundente, abrazando el metal para reivindicar la tradición artesanal que define a CXC.

La naturaleza cobra protagonismo en ESTAMBRE, una línea inspirada en la semilla y el despertar de la vida. Pequeños elementos orgánicos se multiplican hasta crear texturas que parecen brotar de la piel, aportando movimiento y ligereza a las piezas.

Por último, HALTERA explora el equilibrio entre fuerzas opuestas a través de un lenguaje de inspiración industrial. Un eje conecta extremos y genera una tensión armónica entre solidez y movimiento, convirtiéndose en una de las propuestas más escultóricas de la colección.

El resultado es una colección que funciona como una composición estival donde metal y cuero dialogan con naturalidad para dar forma a piezas auténticas, versátiles y llenas de carácter.

La presentación junto a Belén Feres reforzó precisamente esa filosofía: la de encontrar inspiración en los elementos más sencillos y transformarlos, mediante el oficio y la creatividad, en experiencias memorables.

 

La nueva edición de MOMAD llega este mes de julio con más de un centenar de marcas confirmadas, en una apuesta por una selección de calidad y el valor de producto.

Conocida más ampliamente como la Feria Internacional de Moda, Calzado y Accesorios, organizada por IFEMA MADRID, reunirá del 23 al 25 de julio una representación de firmas con identidad propia que abarcan los segmentos casual, contemporáneo, calzado, invitada, baño y resort.

Como aspecto importante Momad se centra en firmas que tengan potencial para incorporarlos a un mercado que prioriza calidad, coherencia y capacidad comercial.

Además, de la presencia Made in Spain en la feria, la dimensión internacional también acompañará en esta convocatoria estival. Firmas procedentes de más de una decena de países, entre los que se encuentran ItaliaFranciaPortugalAlemaniaReino UnidoTurquía o Grecia, aportarán la visión diversa del sector y el carácter global de esa cita.

Durante tres días Madrid será punto de encuentro internacional del Programa de Compradores dirigido a perfiles estratégicos de mercados claves de EuropaLatinoamérica y Asia, que convertirá a Madrid para identificar tendenciasanalizar propuestas y generar nuevas oportunidades de negocio.

Firmas con posicionamiento y proyección comercial

La moda contemporánea concentrará una parte relevante de la oferta, con firmas como VilagalloEMMEColour NudeAlba CondeMontotoPisoneroNo Secrets o Elisa Cortés. En este sentido, presentarán propuestas que trabajan el diseño desde la coherencia de colección y una orientación al canal multimarca, con especial atención al producto y a la construcción de marca.

El área casual incorporará las propuestas de SurkanaMeisïeOrfeoTartarugaNekaneMía o Jaase, configurando un segmento que amplía la oferta de la Feria y que conecta con una parte relevante del retail. Estas firmas, con recorrido dentro del circuito comercial, aportarán dinamismo al conjunto expositivo y completan una de las categorías con mayor presencia dentro de la feria.

Uno de los fuertes de esta feria, es el calzado, que tendrá presencia con marcas como VictoriaStar LoveRia Menorca o ECCO. A este bloque se suma la moda de invitada y ocasión especial, con firmas reconocidas como Sonia PeñaCarla RuizMouriñoSeda y Color o Máscara, que mantienen su espacio y aportan una oferta especializada orientada a eventos y ceremonia.

La propuesta se completará también con colecciones de baño y resortwear, en las que participan AFSCanarias Islas de ModaGran Canaria Swim WeekPiti CuitiMele Beach o Twins Fantasy.

De esta manera MOMAD mostrará las tendencias y diversas propuestas para el público profesional para descubrir nuevas marcas, conocer el producto y anticipar lo que llegará al mercado en próximas temporadas.