En una cultura que glorifica la productividad permanente, detenerse dejó de ser una pausa y se convirtió en una postura. El ritual cotidiano, preparar café sin apuro, aplicar una rutina nocturna deskincare, escribir antes de dormir, tomar un baño largo, ya no es un hábito superficial. Es una respuesta cultural a un sistema que no se detiene.
La hiperconectividad no es una percepción subjetiva. El Digital 2025 Global Overview Report indica que las personas pasan en promedio más de 6 horas y 30 minutos al día frente a pantallas, lo que equivale a casi 100 días al año conectados. No se trata solo de consumo de contenido; se trata de exposición constante a estímulos, comparaciones, urgencias y demandas.
A esta saturación se suma el desgaste emocional. La Organización Mundial de la Salud ha advertido que los trastornos de ansiedad y depresión aumentaron de forma significativa en los últimos años, especialmente entre poblaciones jóvenes, vinculados a estrés crónico y sobrecarga digital.
Bajo este escenario, el ritual no es un lujo. Es una microestructura de estabilidad.
La psicología del comportamiento explica que, frente a entornos impredecibles, las personas buscan microestructuras que devuelvan sensación de control. Un ritual repetido diariamente organiza el tiempo, reduce incertidumbre y crea límites simbólicos. Lo que parece trivial —un journaling nocturno o una rutina de cuidado facial— es en realidad una arquitectura emocional.
Lo que vemos hoy es una resignificación contemporánea de esa lógica. Frente a la cultura del “always on”, el ritual se convierte en un límite autoimpuesto. No es evasión, es decisión. No es escapismo, es autonomía.
El wellness actual no gira solo en torno a salud física; gira en torno a gestión emocional. Según análisis académicos sobre cultura de consumo, el bienestar se ha convertido en uno de los sistemas simbólicos más sofisticados del mercado: no vende objetos, vende estructuras de sentido. No vende cremas o velas; vende momentos delimitados dentro del caos.
“Lo que estamos observando no es una moda de spa, es una reorganización cultural del tiempo”, explica Luis Alejandro Morales Ortiz, Director Ejecutivo en another. Las marcas que entienden eso no hablan de beneficios funcionales, hablan de cómo su producto se integra en un ritual que sostiene emocionalmente”.
Qué significa esto para las marcas
Los rituales no son solo tendencias bonitas: son momentos que organizan y dan sentido a nuestra vida diaria. Las marcas que conectan hoy no buscan impresionar, sino acompañar.
Repetición, no impacto: El verdadero valor está en formar parte de tu rutina diaria o semanal. La pregunta ya no es “¿cómo llamamos la atención?”, sino “¿cómo acompañamos tu hábito?”.
Ritmo, no rendimiento: Vivimos en un mundo que nos pide hacer más, siempre. Las marcas que conectan validan la pausa y el autocuidado sin culpa. No se trata de ser más productivo, sino de sentir que tu momento de cuidado es importante.
Ecosistemas, no piezas aisladas: Un ritual funciona cuando todo encaja: el producto, el empaque, el mensaje y la experiencia. No basta con una campaña “wellness”; se necesita una arquitectura coherente que sostenga esa promesa.
Autenticidad, no estética: El autocuidado tiene raíces históricas profundas. Convertirlo en solo apariencia puede parecer oportunista. La legitimidad se gana demostrando coherencia interna, sostenibilidad y responsabilidad.
Finalmente, el nuevo valor radica en no solo de vender productos como café, velas o cremas. Se trata de ofrecer marcos simbólicos que ayudan a organizar la vida, generar momentos de pausa y dar sentido en medio del ruido diario.
Pasarela Latinoamericana celebró su séptima edición del FASHION WEEK LATAM, del 12 al 14 de noviembre reuniendo lo mejor del talento creativo de la región en el marco del homenaje a “El legado y la continuidad de la moda”.
Bajo la dirección general de Alejandro Medrano, la pasarela reafirma su compromiso con la proyección internacional de la moda latinoamericana, consolidándose como un punto de encuentro entre tradición, innovación y estilo.
MODA LATINOAMERICANA EN MADRID
Ocho diseñadores inauguraron la jornada del 12 de noviembre en el Espacio Monbull, en el barrio Conde Duque de Madrid, con propuestas contemporáneas y conceptuales en diálogo con la moda de autor. Sobre la pasarela se presentaron prendas, accesorios y calzado de estilo contemporáneo, que evidencian la originalidad y talento emergente de los diseñadores latinoamericanos.
La jornada abrió con la diseñadora Anielka Monge (Nicaragua). Le siguieron las siluetas contemporáneas de Belkis Paz (Honduras), el colorido panameño de Annie Chajin (Panamá); y, para cerrar, el universo más auténtico de Ágatha Ruiz de la Prada (España), ilustre madrina de FWLATAM.
La segunda jornada comenzó con los trajes de Jesús Ramos (Venezuela), continuando con la propuesta de Paulina Luna (México), las piezas románticas de Faride (Colombia) y el brillo de Custo Barcelona (España).
En la antesala, la galería DÓMMINA Mexican Art acompañó el evento con una exhibición de esculturas contemporáneas representativas del arte Wixárika. Además, Kiko Milano exhibió sus novedades como parte del porfolio de la marca italiana. Para el desfile, las modelos lucieron maquillaje de KIKO Milano y peinados de Marcos Aldani Cavanilles sobre la pasarela.
Foto Diego E. García
FWLATAM, cuenta con el respaldo de Madrid Capital de Moda, para brindar a los talentos incorporarse en el mercado internacional mostrando la riqueza de sus culturas a través de la moda.
RECONOCIMIENTOS AL LEGADO DE LA MODA
Dentro del programa inaugural de la séptima edición de Fashion Week Latam celebró el talento, la creatividad y la pasión, rindiendo homenaje a quienes hacen brillar la industria, entregando reconocimientos a figuras cuya trayectoria ha marcado décadas de trabajo y visión creativa:
Custo Barcelona. Premio por sus 45 años de trayectoria en la industria de la Moda. Jesús María Montes-Fernández Fernández. Premio por su trayectoria y gran apoyo a la industria de la moda Latinoamericana.
Faride. Premio por sus 60 años de trayectoria en la industria de la Moda. Mobility-Centro Mercedes-Benz. Premio por su valioso apoyo a la Semana de la Moda Latinoamericana en Madrid.
CONOCIENDO A LAS FIRMAS QUE PARTICIPARON EN EL DESFILE
Anielka Monge (NICARAGUA)
Es una joven diseñadora de moda nicaragüense cuya colección «Divino Tesoro» se inspira en «Canción de otoño en primavera» de Rubén Darío. La propuesta evoca la musa idealizada del poema a través de prendas de estilo boho chic con siluetas etéreas tipo princesa, confeccionadas en lino metalizado y chiffon. Los bordados Art Nouveau narran historias de amor, nostalgia y la belleza efímera de la juventud, mientras que su paleta de negro, blanco, dorado y old rose envuelve a quien la viste en un aura de arte, libertad y nostalgia. Más que una colección, es un susurro del alma vestida de poesía.
Foto: Ana Laura Lucero
Belkis Paz (Honduras)
Belkis Paz es diseñadora de moda nupcial y creadora de Novias de Arte, especializada en corsetería y vestidos con acabados arquitectónicos. Su colección está inspirada en figuras geométricas que evocan equilibrio, proporción y fuerza visual, traduciendo líneas, curvas y ángulos en siluetas contemporáneas que convierten la geometría en un lenguaje textil. La propuesta explora la unión entre estructura y fluidez, resaltando cómo las formas geométricas pueden transformarse en arte que viste y realza el cuerpo femenino, creando piezas donde cada acabado refleja precisión y elegancia arquitectónica.
Annie Chajin (Panamá)
Annie Chajin es una diseñadora que hace latir el folclore panameño en cada una de sus creaciones. Durante 19 años ha liderado Chajin Designs, colaborando con talentosos artesanos panameños y comunidades indígenas latinoamericanas. Presenta su colección LA FULA, pensada para todos los estilos y ritmos de vida: una explosión de color y autenticidad donde el «colorinche» es su sello distintivo. Camisas, pantalones, vestidos y accesorios únicos se convierten en piezas que permiten brillar con luz propia, llevando consigo un pedazo de la cultura panameña.
Ágatha Ruiz De La Prada (España)
Ágatha Ruiz De La Prada presenta una colección de invierno donde la diseñadora despliega el universo simbólico que la define: corazones vibrantes, nubes soñadoras y una paleta de colores como solo ella sabe crear. Reinventa constantemente sus íconos y cada pieza refleja su identidad artística, transformando lo reconocible en algo totalmente nuevo.
SEGUNDO BLOQUE
Jesús Ramos (Venezuela)
Jesús Ramos, diseñador de moda venezolano, transforma su amor por el arte en creaciones únicas. Formado entre España e Italia, representa la fusión de dos culturas y aporta una nueva mirada a la moda emergente.
Su colección “Misericordia” es una propuesta que fusiona espiritualidad y arte, tomando como punto de partida la simbología religiosa y la riqueza ornamental del barroco. Cada diseño refleja una narrativa cargada de solemnidad y opulencia, donde las siluetas se enriquecen con detalles dramáticos, bordados y elementos que evocan lo sagrado. Un lenguaje que conecta la fe, la historia y la estética contemporánea.
Paulina Luna (México)
Paulina Luna, fundadora y diseñadora, presenta Rinascere, una colección que trasciende la moda para hablar de dos vidas que se encuentran en búsqueda de paz, inspiración y plenitud. La propuesta nace del caos, de ese impulso que transforma la manera de vivir. La colección refleja el inicio de una nueva etapa para la firma, con la incorporación de Álvaro Rosas como socio y director, consolidando junto a Paulina Luna una visión renovada. Inspirada en Sicilia, la colección se nutre de su arquitectura, costa, canteras y teatros grecorromanos. Las texturas evocan concreto y piedra, con el volumen como elemento esencial. Piezas amplias y fluidas dialogan con otras ceñidas. Tonos tierra y oscuros se iluminan con un vibrante toque de limoncello de la frescura mediterránea. Palma, cuero, seda, algodón, tweed, mezclilla, lana, viscosa y lino se fusionan en una exploración táctil y poética.
Faride (Colombia)
En esta edición celebra sus sesenta años de historia, tres generaciones de amor por la moda. La colección “La Poetisa” celebra a la mujer que convierte su sensibilidad en su mayor fuerza. Sus prendas combinan siluetas románticas, mangas con volumen, flores aplicadas, ruchados, con piezas de sastrería más sobrias. Es una colección muy emocional, pero también muy precisa en su construcción. Habla de equilibrio, de introspección, y de esa voz interior que todas llevamos dentro.
Custo Barcelona (España)
La colección “Leave Her Alone” busca “mostrar la libertad y la emoción”, invitando a quien la vea “a encontrar su propia voz y estilo”. El punto de partida creativo fue el mítico festival Burning Man (Nevada), que inspiró tanto el fashion film de presentación como la estética del desfile: metálicos, luces, aire futurista-clubbing. El vínculo entre humanos y naturaleza aparece de forma simbólica en gráficos con animales antropomorfos, referencias a la convivencia con el medio ambiente, y el juego de texturas y colores para evocar ese diálogo. El estilo distintivo de la casa: la experimentación con estampados, gráficos y color se mantiene como núcleo de la marca, “innovación y creatividad constituyen la base de un estilo caracterizado por la utilización de gráficos y color”.
La Maison KARL LAGERFELD iluminó París con una celebración exclusiva en Yoyo, Palais de Tokyo, para presentar su campaña Otoño–Invierno 2025. La icónica Paris Hilton, musa de la temporada bajo la dirección creativa de Hun Kim, encarnó el espíritu audaz y sofisticado que define el legado de Karl.
La velada reunió grandes amigos de la Maison y caras conocidas de la industria. Entre las figuras más destacadas de la noche se encontraba el modelo español Jon Kortajarena, amigo cercano de la Maison, quien acompañó la velada con su inconfundible elegancia y presencia magnética.
El modelo Jon Kortajarena y Paris Hilton
La nueva colección fusiona la elegancia atemporal del fundador con un toque vanguardista y contemporáneo, reafirmando el ADN visionario de la Maison.
Un homenaje glamoroso a la eterna esencia de Karl Lagerfeld.
La empresaria y socialité con Pier Paolo Righi CEO y presidente de Karl Lagerfeld
La comunicadora, escritora y creadora de contenidos Maricel Méndez ha lanzado su primer libro, “La escritora que vive en mí”. La obra es una recopilación de textos que han acompañado su evolución personal, y que ahora toman forma impresa para conectar con lectores que buscan historias cotidianas contadas con sensibilidad, humor y profundidad.
Compuesto por escritos publicados —e inéditos— de su blog del mismo nombre, el libro ofrece un recorrido emocional a través de distintas etapas de su vida. Cada texto revela una faceta distinta de su voz narrativa: desde la mujer que escribe con la taza de café en la mano y el alma al descubierto, hasta la relacionista pública observadora del mundo que la rodea, pasando por la cubana chispeante y sin filtro que irrumpe con gracia para decir lo que muchos piensan y pocos se atreven a decir.
La escritora destaca, que la “La escritora que vive en mí” no es solo una obra para leer; es una invitación a sentir, identificarse y, sobre todo, a recordar que cada persona lleva dentro múltiples voces que desean ser escuchadas. Entre reflexiones íntimas, escenas de comedia y momentos de contemplación, el libro transita desde lo liviano hasta lo profundo, capturando la esencia de lo cotidiano con autenticidad.
Esta obra, tuvo su presentación en la Feria Internacional del Libro de Panamá, y antes de llegar a las manos de los lectores, a travesó el intimo compromiso de su autora con la escritura. “El proceso de escribir este libro fue una manera de ordenar recuerdos, darle lugar a emociones y, sobre todo, reconocer a esa escritora que siempre estuvo allí, esperando que la dejara salir”, comenta Méndez, quien también dirige el boletín Maricel Escribe y es parte del podcast Ni Buenas Ni Malas, espacios donde continúa explorando temas de identidad, crecimiento y comunicación con mujeres que, como ella, se reinventan desde la experiencia.
La obra está disponible en formato físico y digital a través de Amazon. Si deseas adentrarte a su mundo, puedes encontrar sus escritos en su página www.maricelescribe.com.
Hoy en día, las experiencias se han convertido en el bien más preciado; no se trata solo de viajar, sino de elevar lo cotidiano a un plano excepcional. Así, el embleático Wellington Hotel & Spa Madrid se transforma en un refugio en la ciudad y nos presenta sus nuevas y exclusivas suites Spa diseñadas para disfrutar de una experiencia inigualable en confort, estilo y relajación.
En una visita al hotel pudimos conocer las innovadoras habitaciones, compuestas por tres espacios que redefinen el concepto de estancia de lujo en la capital. En las que destacan, las Suite Spa con Terraza The Wellington Club y la Suite Spa Velázquez The Wellington Club.
El hotel Wellington, se encuentra en un enclave privilegiado de Madrid, muy cerca del emblemático Parque del Retiro y de la Calle Velázquez, una de las zonas más exclusivas de Madrid.
Detalles excepcionales: Arte y Experiencia acuática
Este nuevo concepto que va más allá de un alojamiento brinda a los huéspedes un refugio de sofisticación y tranquilidad, por ello cada suite ha sido creada pensando en los detalles que merecen una máxima atención. Entre los aspectos más destacados se encuentran:
Baños de diseño exclusivo: Los baños de las suites Spa son una obra de arte, que combina elegancia y funcionalidad. Cada elemento ha sido cuidadosamente seleccionado pensando en el bienestar y la relajación. Equipados con ducha Spa, y toda una novedad la ducha horizontal, donde experimentar un masaje de agua y aquamoon shower, hasta cuatro tipos de chorros de agua que se combinan para crear una experiencia acuática emocional única.
Acceso privilegiado al Spa: Los huéspedes pueden disfrutar de un acceso directo a las instalaciones del spa, permitiéndoles beneficiarse de tratamientos de primera línea y sumergirse en un oasis de calma y bienestar.
Diseño vanguardista y ambiente exclusivo
El interiorismo también cobra protagonismo, pues cada una de las suites ha sido diseñada con una estética vanguardista que combina el encanto clásico de Madrid con elementos contemporáneos y lujosos. La Suite Spa con Terraza The Wellington Club invita a disfrutar de espacios exteriores, mientras que la Suite Spa Velázquez The Wellington Club destaca por su ambiente íntimo y refinado, ideal para quienes buscan una experiencia de confort absoluto y exclusividad. Esta suite incorpora una panorámica con las mejores vistas del Barrio de Salamanca.
Sin duda, es una experiencia que invita no solo a un hospedaje de lujo, sino de relajación en un ambiente sofisticado y moderno. Un compromiso que ha adoptado Wellington Hotel & Spa Madrid, con sus suites spa que reflejan calidad, innovación y excelencia.
La pasarela de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, la firma de Isabel Sanchís volvió a demostrar por qué es una de las casas más sólidas de la moda española. La diseñadora valenciana, acompañada por su hija y directora creativa Paola Maiques, presentó su colección primavera/verano 2026, una propuesta donde tradición y vanguardia dialogan con naturalidad.
Fundada en Valencia en 1990 por Isabel Sanchís, la marca ha construido una identidad reconocible a nivel internacional gracias a su dominio de la costura estructural, los volúmenes esculturales y un meticuloso trabajo artesanal. Paola Maiques se ha incorporado al proceso creativo, aportando una visión contemporánea que ha impulsado la proyección global de la firma.
En esta ocasión, madre e hija han reafirmado la esencia de la casa con una colección inspirada en los volúmenes arquitectónicos y la cultura japonesa, dos referencias que se convierten en hilo conductor de la propuesta. Sobre la pasarela, las prendas reflejan un equilibrio entre opuestos: tradición y modernidad, estructura y fluidez, disciplina y desafío.
Más allá del clásico binomio blanco y negro que caracteriza muchas de sus colecciones, en esta temporada destacan naranjas vibrantes y verdes intensos, que aportan frescura a siluetas vaporosas y sofisticadas. Los micro plisados, la experimentación con las formas y las flores creadas mediante impresión 3D evidencian el cuidado extremo por el detalle que define el trabajo del atelier.
El resultado es una colección elegante y contemporánea que confirma la evolución constante de la firma, manteniendo intacto su ADN. En la pasarela madrileña, Isabel y Paola Sanchís demostraron nuevamente que la complicidad creativa entre generaciones puede traducirse en una moda poderosa, refinada y profundamente actual.
La expectativa del desfile de ᴄᴀʀᴏʟɪɴᴀ ʜᴇʀʀᴇʀᴀ en Madrid se reveló este 18 de septiembre cuando la Plaza Mayor de Madrid se convirtió en una pasarela histórica.
En la primera jornada de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid, Pilar Dalbat, rindió homenaje al acerbo más puro de Granada, la Zambra, una de las expresiones más emblemáticas más del flamenco, y del folclore granadino. La diseñadora convirtió el COAM de Madrid, en la Zambra de María la Canastera, jugando con los diferentes significados de la palabra.
“Las palabras zambra, cueva y baile se confunden en Granada. Tradición, arquitectura y cultura conviven en una sola voz”.
Entre otros hitos en la carrera de la diseñadora, se lleva el logro de ser la primera en realizar un desfile en la nieve en el corazón de Sierra Nevada, Dalbat, siempre inspirada por la artesanía y la figura de la mujer, sigue aprovechando la moda como vehículo para abrir el universo cultural de Granada al mundo. Lo hace, como es su sello, desde una colección de líneas puras y depuradas, en la que presenta, por primera vez, una línea de joyería de la mano de la artesana María Soto.
“Siempre que alguien singular viene a verme, lo llevo a uno de mis lugares favoritos; la Zambra de María la Canastera. María Cortés Heredia, bailaora desde niña y conocida como La Canastera, hizo de su zambra en el Sacromonte un lugar universalmente famoso. Todos los días se baila en la zambra el palo flamenco más puro, el de los gitanos de Granada que nace de las antiguas danzas moriscas”.
El desfile y las líneas de la colección
Pudimos apreciar bloques de la colección secuencialmente ordenados, con una primera de looks monocolor. Blancos y crudos de cal en la cueva gitana, verde Andalucía de campo y chumbera, dorados de sol y cielo y negros zainos como la noche. El cobre, herencia y riqueza de la cultura local, salpica la colección.
En cuanto a los tejidos, escogió los materiales más nobles como la seda, el tul bordado, el hilo y el algodón cuajado de lentejuelas metalizadas. La marca vuelve a confiar en los talleres locales para la fabricación de sus tejidos alpujarreños 100% reciclados, originales y con carácter rústico.
En esta ocasión, los bordados recrean el clásico refajo andaluz de las fiestas y romerías, con de tejidos técnicos y metálicos que le dan un aire actual.
Zambra es además una apuesta de Pilar Dalbat que se lleva a su terreno contemporáneo con la reinterpretación de la silueta y el volumen del vestir flamenco: faldas con canesú y capas, volantes desestructurados, camisas de algodón a la cintura y mangas globo evocan el gesto de la danza. Vestidos fluidos y transparencias acompañan el movimiento del cuerpo. Las prendas se transforman, como la zambra, en un rito íntimo y poderoso interpretadas en clave moda. Los bordados artesanales, todos ellos elaborados en el taller de la marca, recuerdan los lunares, flores y filigranas de mantones antiguos, pero se presentan con una estética minimalista y abstracta. Aplicaciones metálicas y costuras a la vista sugieren el mestizaje entre lo urbano y lo ancestral.
La primera colección de joyas, con María Soto
La artesana granadina María Soto crea para Pilar Dalbat su primera colección de joyas Zambra, con pendientes, colgantes, broches y peinas en plata, oro del Darro y cobre vitrificado al estilo sacromontés.
